Clase undécima.

   Este día se ha hablado primero de la textura, después del tamaño, el formato y el marco, y finalmente de lo que es una instalación.

   Existe un protocolo de interpretación de la imagen, que consiste en: 

1. La forma.
2. La composición.
3. El formato.
4. El tamaño.
5. La textura.
6. El color.
7. La iluminación.

   La textura es el material del que están hechas las cosas. Junto con el color y la iluminación, nos da unos datos importantes sobre el objeto, y éstos nos ayudan a determinar del objeto del que se trata.

   Hay diferentes tipos de texturas, las cuales nos remiten distintos efectos:

1. Texturas frías.               
2. Texturas calientes.
3. Texturas suaves.
4. Texturas ásperas.
5. Texturas blandas.
6. Texturas duras.
7. Texturas secas.
8. Texturas húmedas.
9. ...

   Por otra parte están las texturas simuladas, en las cuales lo que vemos y tocamos no coincide; y las texturas reales, en las que lo que vemos y tocamos sí coincide.

   Para que se aprecien las texturas, se necesita la luz rasante, ya que con una luz de frente o cualquier otra, no se verían adecuadamente.

   Las texturas pueden ser naturales, artificiales, o visuales.

   En cuanto al tamaño, es la dimensión física del producto visual; se entiende como las medidas de la obra, por ejemplo, un lienzo de 50x70. La decisión del tamaño puede tomarse en base al impacto psicológico o en cuanto al impacto social.

   El formato, sería apaisado, de retrato, etc.

   El marco es, en una pintura, el adorno que se pone rodeándola, significando el fin de ésta; en escultura, sería todo lo que se encuentre alrededor de la misma.

   La instalación es la utilización del espacio, creando un ambiente por el que el espectador puede transitar o interaccionar con ella de alguna manera.

   Del mismo modo hemos hablado de diferentes artistas, como son:

1. Ron Mueck.

   

   Escultura de Ron Mueck.

2. Nick Cave. Un artista de performance.

   

   Obra de Nick Cave.

3. Juan Zamora. 

   

   Obra de Juan Zamora.

4. Zhang Huan. 

   

   Fotografía de Zhang Huan.
5. Christo. 

   

   Composición fotográfica de obras de Christo.

6. Miguel Angel Blanco. 

   

   Obra la biblioteca del bosque de Miguel Angel Blanco.

Clase décima.

Huelga.

Clase novena.

   Esta clase ha consistido en exponer unos trabajos que hemos tenido que realizar por parejas, como de costumbre, impuestas por María José Abad, la profesora. El trabajo consistía en buscar la información, que nos venía pautada, sobre los colores, también determinados. 

   Cada pareja tenía un color diferente, y a nosotras, Marina y yo, nos tocó el verde esmeralda.


   Se trata de un color cuya información no es precisamente abundante, sin embargo, creo que hemos realizado un muy buen trabajo y que el resultado final ha sido muy satisfactorio.


   Lamentablemente, y por cuestiones referidas a la falta de tiempo, no hemos podido exponer ni nosotras, ni aproximadamente la mitad de la clase.

  No obstante, este es nuestro trabajo: 


   1. DEFINICION DEL COLOR. ETIMOLOGIA
   El esmeralda es un color verde medio, semitransparente, de saturación fuerte y de textura visual vítrea brillante. Bajo la denominación de "verde esmeralda" podemos encontrar pigmentos empleados en pintura cuya coloración va de oscura a muy oscura. 


   2. COMO FUNCIONA
   El verde esmeralda es un color que combina muy bien con tonos como el beige, ciertos azules, negros y grises, camel y marrones. Sin embargo no tanto con otras tonalidades como el color borgoña, rojo o naranja.


   3. NOMENCLATURA
   Dado que el esmeralda no es un color concreto sino que abarca una cierta gama de tonos, puede ser denominado también "verde aguamarina" o "verde turquesa".
   

   4. ARTISTAS QUE LO EMPLEAN
   En general se trata de un color muy empleado por los artistas del impresionismo, neoimpresionismo y postimpresionismo.
Por ejemplo, en “Le bassin aux nymphéas”, de Claude Monet, podemos apreciar una gama de tonos esmeralda. De la misma manera, encontramos estas tonalidades en algunas obras de Vincent Van Gogh, como “Los descargadores en Arlés” o en “Puesta de sol en Montmajour” entre otras.


   5. ESE COLOR EN LA NATURALEZA
   En la naturaleza, podemos encontrar el color esmeralda en aguas de rios o mares así como en ciertas especies animales y en fenomenos meteorologicos tales como la aurora boreal o el arcoiris. Asimismo, en sus diferentes tonalidades, puede aparecer en el césped, en las hojas de los árboles, en vegetales y, por supuesto, en la esmeralda.


   6.EN OTRAS CULTURAS
   El verde es un color sagrado para los musulmanes, porque la tradición dice que Mahoma usaba un manto verde. Representa la alegría, el éxito y la felicidad, así como la esperanza y la paz. Por lo general, y dados estos motivos, los musulmanes decoran tanto mezquitas como interiores de sus casas con este color.
En China el verde es un color relacionado con la salud, la prosperidad y la armonía.
En Irlanda está relacionado con la suerte, y está fuertemente asociado a nivel sociológico con este país.

   
   7.SIMBOLOGÍA
   De forma general, el color esmeralda está asociado con la felicidad, el bienestar, la calidad de vida sana y saludable. Es decir, está relacionado con lo positivo, todo lo que signifique progreso, crecimiento y evolución. 
Por otra parte, la esmeralda es una piedra preciosa conocida por ser la “gema del amor” porque aporta dicha plena, potencia la unidad y afianza las relaciones amorosas.

   8. LITERATURA, CINE, MUSICA
   En literatura es representativo el Romance de Federico García Lorca,

“Verde que te quiero verde,

Verde viento, verdes ramas.

El barco sobre la mar

Y el caballo en la montaña,

Con la sombra en la cintura

Ella sueña en su baranda,

Verde carne, pelo verde,

Con ojos de fría plata.

Verde que te quiero verde.

Bajo la luna gitana,

Las cosas le están mirando

Y ella no puede mirarlas (…)”

   Por otra parte, en las producciones cinematográficas encontramos el verde en películas como la francesa “Ameliè”, la producción de Disney "Robin Hood", o "AVATAR".
Dentro del apartado musical, existen muchas canciones infantiles que hablan de los colores, pero fuera del terreno de lo infantil, destaca "Colours", de Joan Baez, donde habla de los colores. Sin embargo, dado que a nosotras nos interesa en este caso de especial manera, destacaré la pequeña estrofa que habla del verde,

“(…) Green is the color of the sparkling corn

In the morning, when we rise, in the morning, when we rise.

That’s the time,

That’s the time,

I love the best (…)”

   9. GASTRONOMIA
   En cuanto a la gastronomía, claro está que abundan los alimentos de color verde, mas no son frecuentes los platos con un marcado tono esmeralda. Sin embargo, podemos encontrar este peculiar color en elaboraciones realizadas con colorantes como los famosos "macarrons" franceses.


   10. EJERCICIO CREATIVO DE ARTISTA

   

Las sombras de las hojas y el fondo, son de color verde esmeralda.

   
 
 
 

 

Clase octava.

   Esta clase consistió en presentar los trabajos que ya expliqué en la séptima entrada.

Séptima clase.

   Esta clase consistió en realizar un trabajo para asentar las bases de los conocimientos adquiridos el día anterior sobre las formas.
  
  Los grupos, como siempre, procedió a formarlos M.J.; a mi me tocó con mis compañeras Natalia y Beatriz.

  El trabajo que debíamos realizar, denominado "un, dos, tres", tenía que tener las siguientes partes: 

1. Una forma bidimensional, que no se pareciera ni pudiera llegar a relacionarse con nada.
2. Pintar el hueco que deja un objeto, su forma en negativo. De este tipo tenía que haber dos ejercicios.
3. Hacer formas en tres dimensiones, basadas en las formas probables de la naturaleza. Aquí debíamos tener tres. 

  Los puntos 1 y 3, podían hacerse a la inversa, es decir, podíamos realizar tres formas informes, y hacer una en 3D.

  Nosotras, tras deliberar durante un rato que hacer, optamos por dentro de las formas en 3D, realizar un ángulo, un hexágono, y una espiral; como el negativo de un objeto, tomamos de referencia un perchero; y como forma informe, escogimos un recortable hallado en una revista que mi compañera Natalia trajo. 

  En un principio optamos por dividir el trabajo, encontrando el tiempo disponible quizás insuficiente, no obstante, finalmente todas participamos en todas las formas.

 En el ángulo, recortamos un trozo de una revista y lo dispusimos de manera que formase un cono, mas, al verlo terminado y parecernos que quedaba un poco soso, decidimos ponerle una especie de fleco, en la parte más ancha, para que le diese un "toque"; a la par que hacíamos el cono, realizábamos el hexágono, y la espiral. El hexágono, lo realizamos mediante papiroflexia, dejando un proceso que llevaría a una caja, sin finalizar. la forma que se quedaba era la de una estrella de cuatro puntas, por lo tanto, repetimos el proceso con otro papel, y tras unirlas, recortamos dos. Dado que todavía no se apreciaba demasiado bien qué era, unimos las puntas con trocitos de papel, que marcaban mejor las esquinas. Por último en esta tanda, quedaba la espiral, que se realizó con un trozo de papel alargado, doblado a la mitad y arrugado, y posteriormente enroscado sobre si mismo generando la espiral. Al ver la espiral, como en el caso del ángulo, la encontramos un poco aburrida, por ello introdujimos en los huecos, otro rollito de papel, esta vez pintado, aunque de manera un poco tosca, por la insuficiencia de material de ese tipo. Cuando estuvo ya de esa manera decorado, se tuvo la idea de crear a partir de esa espiral, un caracol, como si ésta fuera su concha. 
Después pasamos a la forma informe; ojeando una revista, vimos una maqueta, de la cual recortamos un trozo, y al ser este muy pequeño, lo pegamos en una cuartilla de folio. 
En último lugar, se realizó la forma en negativo, la cual encontramos apropiada desde el principio.

Hexágono.

Espiral.

Forma en negativo.

Ángulo- cono.

Forma informe.

 Todo esto, junto con los demás grupos, será expuesto el miércoles 15/10/2014.

Clase sexta.

   Hemos hablado sobre la forma, que es el límite entre un cuerpo y el espacio, y que sirve para informarnos acerca de la naturaleza de las cosas.

 La forma puede ser natural o artificial; si la forma es natural puede ser estableo variable. Del mismo modo ocurre con la forma artificial.

 Se pueden hablar de diferentes tipos de formas:

1. Esfera. Manera de cerrar un volumen utilizando la mínima superficie; una forma estable. Cuando todas las direcciones del espacio son equivalentes, la forma más probable es la simetría esférica. Hubo un artista destacado, considerado uno de los artistas contemporáneos más importantes y reconocidos mundialmente, que trabajó, entre otras cosas, con esferas, Pol Bury. 
   
   

   

   Obra de Pol Bury.

2. Onda. Mueve y comunica. Es un procedimiento que sirve para mover un material dentro de un fluido. En una onda, la energía de una vibración se va alejando de la fuente en forma de una perturbación que se propaga en el medio circundante.  
   
3. Ángulo. Éste, penetra y concentra. Si aplicamos una fuerza sobre un objeto angular, la fuerza, se concentrará en la punta.  
   
4. Hexágono. Pavimenta. Cuando se estrecha un conjunto de círculos, esferas, o cilindros, para ahorrar espacio, el resultado será un conjunto de hexágonos. Los panales de abejas están construidos con formas hexagonales.  
   
5. Fractal. Es una forma que intima, tiende a llevar el espacio con continuidad, sin interrupciones. "Las partes de un todo tienden a parecerse". Las formas fractales se repiten a si mismas en escalas progresivamente pequeñas. El término fractal, fue puesto por el matemático Benoît Mandelbrot.  
   
6. Parábola. Concentra. Consiste en la forma natural de aguantar peso.  
   
7. Hélice. Es toda línea curva cuyas tangentes forman un ángulo constante, siguiendo una dirección fija en el espacio.  
   
8. Espiral. La forma espiral empaqueta. Es una buena manera de crecer sin ocupar mucho espacio. Destaca Andreu Alfaro Hernández, con sus esculturas. Otro artista que destaca es Martín Chirino.  

   

   Obra de Martín Chirino.

   
   

   

   Obra de Alfaro.

  Estas formas, se dan en la naturaleza, por necesidad, según la función que tengan en el espacio.

  
  Con todo esto, al ir finalizando la clase, y tras ver unos vídeos relacionados con estas formas, descubrimos información sobre "la máscara phi", e hicimos un estudio, basándonos en el "Hombre de Vitruvio", sobre nosotros.  

Mis medidas según las proporciones del "Hombre de Vitruvio"

  Además de los artistas ya nombrados, hablamos también de Yayoi Kusama.  

Obra de Yayoi Kusama.

Clase quinta.

   Como comenté en la entrada que precede a esta, al final de la cuarta clase, los alumnos, ideamos ejercicios para llevar a cabo un estudio en profundidad de la composición y las leyes de la Gestalt. 

  De este modo, al comienzo de la clase, la profesora procedió a dividir la clase en grupos.

  

  Dado que el día anterior habían quedado empatados dos ejercicios de los propuestos, cada persona eligió cual de los dos quería llevar a cabo. 

  

  La primera propuesta consistía en realizar todas los tipos de composición de una imagen, a partir del cuerpo, y creando, mediante fotografías de éstos, una especie de "librito"; la otra propuesta, consistía en componer imágenes que cumpliesen las leyes de la Gestalt, y las demás dadas, basándonos en el tema de los siete pecados capitales.

  Mi grupo, formado por Alba, Antonina, María del Pino, y yo, decidimos hacer la opción de los pecados capitales.

  

  Tuvimos algo menos de una hora, para idear la manera de realizar la imagen de modo que representase bien el pecado que queríamos, además de las leyes de composición.

  Una vez hubimos hecho las fotos, con múltiples pruebas hasta quedar conformes, volvimos a clase, y allí retocamos la imagen, y buscamos de manera ya más seria, los distintos elementos compositivos que tenía nuestra imagen.

  Dado que después teníamos que exponer nuestro trabajo frente al resto de la clase, redactamos lo que íbamos a decir de manera esquemática. 

  Cada presentación debía durar un máximo de 3 minutos por grupo, y, fue por ello, que decidimos hacer solo un pecado capital, la soberbia.

  Puesto que en nuestra imagen, finalmente hallamos ocho elementos compositivos de los dados en clase, y éramos cuatro, nos dividimos la exposición en dos elementos cada una.

Éste fue el resultado final.

  La foto que realizamos, está tomada en contrapicado, para reforzar esa sensación de superioridad; la línea del horizonte está baja, sugiriendo el dominio mencionado ya en la otra clase; se cumple la ley de proximidad, asimilamos los elementos contiguos como una unidad; está presente la ley de contraste, ya que a pesar de ser del mismo tamaño y altura los árboles, por cuestiones de la perspectiva elegida para la foto, uno parece más grande que el otro; además encontramos una repetición y acumulación de formas verticales, véanse, las tres figuras femeninas y los dos troncos de los árboles, todos seguidos; encontramos la ley de la similaridad, agrupando los cuerpos diferenciados en una entidad única; tenemos líneas convergentes; y por último existe una aproximación a la regla de los tercios, aunque sin llegar a cumplirse de manera exacta.

  Expusimos únicamente siete grupos, ya que no hubo tiempo para más, pero todos los que lo hicimos, fuimos evaluados por el resto de nuestros compañeros, con lo relacionado a la comunicación no verbal, la dicción, la organización del discurso, el nivel de eficacia, una nota individual, y otra grupal.

Cuarta lección.

 En esta ocasión hablaremos de la composición de la imagen. Para ello lo primero es saber definir tal concepto, así que, ¿qué es? Bueno, pues la composición es la distribución de distintos elementos que forman parte de una obra artística, como por ejemplo,las figuras de un cuadro.
  
  A la hora de componer una imagen, se deben tener en cuenta algunos aspectos importantes:
  

   1. La dirección; lo que empieza en la izquierda, y sube hacia la derecha, se lee como positivo, mientras que, aquello que empieza a la izquierda y baja hacia la derecha se lee como negativo.

Lectura positiva.

Lectura negativa.

   2. La simetría y la asimetría; mientras que la simetría produce una sensación de equilibrio y estabilidad, la asimetría, inquieta, ya que nuestro cerebro lo asocia con lo anormal; esta inquietud, nos obliga a indagar y a analizar la imagen.
   3. Posición del ojo; al mirar desde abajo, la figura observada, resulta ensalzada; al mirar de frente, miramos en posición de igual a igual; y al mirar desde arriba, causamos que el otro se sienta intimidado.
   4. Posición del horizonte. Es tan importante la colocación del horizonte, como la de la mirada que a éste se dirige. La línea del horizonte muy elevada, genera agobio; la línea del horizonte muy abajo, sugiere el dominio; y la línea del horizonte en el centro, indica equilibrio.
   
  Hay diferentes tipos de composición; existe la composición triangular; la composición por repetición, cualquier cosa que se repite queda bien; la composición vertical, que sugiere la elevación al cielo, lo sublime; la composición horizontal, que tiende a la quietud, a la estabilidad; la composición circular o en espiral, que tiene tendencia envolvente, de acoger.

  Las imágenes, pueden ser cerradas, o abiertas; las imágenes cerradas, no muestran lo que ocurre fuera del campo de esa representación, mientras que las abiertas si lo hacen.

  Existen unas leyes, realizadas por los psicólogos alemanes de la Gestalt, Wertheimer, Köhler,y Koffka, los cuales observaron que el cerebro humano organiza las percepciones como totalidades. A ésto, lo llamaron "Leyes de la percepción" o "Leyes de la Gestalt".

  Las principales leyes que establecieron son:
    1. Figura sobre fondo.

    2. Buena forma.
    3. Cierre y continuidad.

    4. Contraste.
    5. Proximidad, similaridad y continuidad.

  Al final de la clase, ideamos unos ejercicios que practicaríamos la semana siguiente, para fijar los conocimientos aprendidos.

 Además comentamos tres imágenes, a partir de lo aprendido ese día, de los artistas Matthew Barney, Laura Torrado, y Louise Joséphine Bourgeous.

Laura Torrado.

Matthew Barney.

Louise Joséphine Bourgeous.

  También hablamos a otros dos artistas más, Isidoro Valcárcel, y Rafael Mahdavi.
  

Obra de Rafael Mahdavi.